Conheça 7 obras inspiradas em músicas e filmes

João Pimassoni

Desde os primeiros passos do cinema, a música sempre esteve ali, às vezes como trilha, às vezes como inspiração, e em certos casos, como o próprio enredo. Algumas canções são tão visuais, tão cheias de personagens e atmosferas que parecem já nascer prontas para a tela grande. Outras, o contrário: filmes que encantam tanto que acabam virando versos, melodias e refrãos.

Essa troca constante entre som e imagem cria um diálogo fascinante entre duas formas de arte que se alimentam mutuamente. A seguir, revisitamos casos em que uma canção deu origem a um filme (ou um filme fez nascer uma música), mostrando como a melodia pode se transformar em narrativa, e o cinema, em partitura emocional.

Antes mesmo de Julia Roberts encantar o mundo com seu sorriso, Roy Orbison já havia eternizado a imagem da “pretty woman” que cruza a rua e deixa um rastro de fascínio. Lançada em 1964, a canção celebra o encanto imediato e irresistível de uma mulher cuja presença transforma o ambiente, “Pretty woman walking down the street, pretty woman, the kind I’d like to meet” (“Linda mulher andando pela rua, linda mulher, o tipo que eu gostaria de conhecer”).

Anos depois, essa aura inspiraria Uma Linda Mulher (1990), dirigido por Garry Marshall, com o icônico casal Julia Roberts e Richard Gere. A história ambientada em Los Angeles mistura mundos opostos: um executivo solitário e uma prostituta que, por acaso, se tornam cúmplices de transformação.

Mais do que título, a música de Orbison é o coração simbólico do filme, sua trilha e seu tom. A mesma mulher que desperta o encanto na letra é aquela que, no longa, muda o rumo da própria vida e do homem que a encontra.

Quem nunca ouviu essa história de amor “estranha com gente esquisita”? A canção da Legião Urbana virou um retrato geracional. Eduardo, um adolescente comum, e Mônica, uma universitária culta e independente, vivem um romance improvável que desafia convenções, “quem um dia irá dizer que existe razão nas coisas feitas pelo coração?”.

Mais de trinta anos depois, o cinema transformou essa crônica em filme. Eduardo e Mônica (2020) leva à tela o clima de Brasília nos anos 80, suas festas, encontros e contradições. O longa é quase uma tradução literal da letra, mas também um mergulho visual no cotidiano, nas cores e nas emoções da época.

Se a canção era um conto em verso, o filme é sua expansão: dá corpo, voz e cenário ao amor que nasceu de diferenças e virou símbolo de uma geração, aquele mesmo amor que, como canta Renato Russo, “não tinha medo de nada”.

Nenhuma música brasileira conta uma história tão cinematográfica quanto Faroeste Caboclo. Em nove minutos, Renato Russo narra a saga de João de Santo Cristo, um anti-herói nordestino que migra para Brasília em busca de justiça e acaba tragado por crime, amor e desigualdade. “Discriminação por causa da sua classe e sua cor” ecoa como denúncia social e poesia bruta, um retrato cru de um Brasil marginalizado.

A versão para o cinema, dirigida por René Sampaio em 2013, transformou essa epopeia cantada em narrativa visual. As rimas viraram roteiro e os versos ganharam rostos e paisagens. O duelo final, televisionado, traduz literalmente o verso “queria falar pro presidente pra ajudar toda essa gente que só faz sofrer”, ampliando o tom político e trágico da canção.

Se a música era denúncia e mito, o filme é seu espelho em movimento, uma balada sobre exclusão, amor e destino.

Em meio a batidas dançantes e refrãos pegajosos, o grupo sueco ABBA lançou, em 1975, a contagiante “Mamma Mia”, uma confissão de amor e desilusão: “I've been cheated by you since I don’t know when” (“Fui enganada por você desde que me lembro”) e “Just one look and I can hear a bell ring” (“Basta um olhar e eu ouço um sino tocar”). A expressão italiana, entre o desespero e o encanto, virou sinônimo de rendição emocional.

Décadas depois, o cinema transformou o universo pop do ABBA em musical: Mamma Mia! (2008), dirigido por Phyllida Lloyd. A trama segue Sophie (Amanda Seyfried), prestes a se casar, que convida três possíveis pais para a cerimônia, forçando sua mãe Donna (Meryl Streep) a encarar o passado.

Mais que trilha sonora, as canções do ABBA são a alma da narrativa. “The Winner Takes It All” (“O vencedor leva tudo”) ecoa as dores e as despedidas do amor, enquanto “Dancing Queen” celebra a liberdade de ser e sentir. É a música transformada em emoção pura, dançada sob o sol grego.

Em 1970, quando os Beatles se despediam do mundo como banda, Paul McCartney ofereceu um bálsamo: Let It Be. “And when the broken-hearted people living in the world agree, there will be an answer, let it be” (“E quando as pessoas de coração partido do mundo concordarem, haverá uma resposta: deixe estar”). Inspirada em um sonho com sua mãe, a canção se tornou um hino de aceitação e esperança.

Décadas depois, Julie Taymor transformou essa e outras músicas dos Beatles em Across the Universe (2007), um filme que mistura amor, guerra e contracultura. Entre protestos e paixões, versos como “All you need is love” (“Tudo que você precisa é amor”) ganham força política e visual.

O que era consolo virou resistência. A canção que pedia serenidade se transformou, no cinema, em um manifesto de fé na humanidade, mesmo em meio ao caos.

No pós-guerra francês, Georges Franju chocou o público com Les Yeux Sans Visage (1960): um terror poético sobre um cirurgião que, obcecado em restaurar o rosto desfigurado da filha, passa a sequestrar jovens para transplantar suas faces. O resultado é uma fábula sombria sobre identidade e perda, em que o olhar da jovem, “sem rosto”, se torna espelho da própria culpa do pai.

Duas décadas depois, Billy Idol recuperou o título e a inquietação em “Eyes Without a Face” (1983). A letra, melancólica e sombria, diz: “You’ve got no human grace, your eyes without a face” (“Você não tem nenhuma graça humana, seus olhos não têm rosto”). O refrão repete o título em francês, ecoando o fantasma do filme original.

A conexão é sutil, mas poderosa: tanto a música quanto o filme falam sobre a perda da identidade e o vazio existencial, o horror de estar vivo, mas sem alma.

No auge da cultura das estradas americanas, C.W. McCall lançou “Convoy” (1975), um sucesso que ecoava o espírito rebelde dos caminhoneiros que se comunicavam por rádio CB: “Breaker one-nine, this is Rubber Duck…” (“Atenção, canal 19, aqui é o Pato Borracha…”). A música virou hino da liberdade sobre rodas e da camaradagem entre motoristas.

Três anos depois, Sam Peckinpah levou esse universo ao cinema com Convoy (1978). Kris Kristofferson interpreta Rubber Duck, líder de um comboio que desafia a autoridade policial das estradas, cruzando o país em protesto.

O filme amplia a mitologia da estrada e da resistência americana. O som do motor e o eco do refrão se fundem em uma jornada de rebeldia e solidariedade, a liberdade cantada em verso, agora filmada em movimento.

*João Pimassoni é aluno do 28º Curso de Residência em Jornalismo da Rede Gazeta. A reportagem teve orientação e edição da editora Marcella Scaramella.